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Résumé Olafur Eliasson, né en 1967, est un artiste danois qui passe son enfance en Islande. Diplômé de la Royal Danish Academy of Fine Arts, il vit entre Copenhague et Berlin.
Ses installations ont la particularité de mettre en évidence des phénomènes naturels, qui sont alors reconstitués dans les espaces d'exposition.
On peut rattacher sa démarche à une forme de développement du land-art, à ce détail près que l'artiste intervient dans des bâtiments.
Olafur Eliasson a réalisé son Weather Project dans le grand hall du musée d'art contemporain qu'est la Tate Modern de Londres. La Tate Modern a été construite dans une centrale électrique désafectée, dont l'ancienne salle des machines, la Turbine Hall, a été reconvertie en un immense hall servant à des expositions temporaires.
Extrait du document Eliasson a entièrement recouvert de miroirs le plafond de ce lieu immense. Un regard en l'air et on s'aperçoit que le plafond de la Turbine Hall a disparu, remplacé par la réflexion de l'espace au-dessous. A l'est du hall, l'artiste a placé un demi-cercle géant composé de centaines de petites lampes mono-fréquence: l'arc répété dans le miroir au-dessus produit une sphère lumineuse, un soleil.
Généralement utilisées dans l'éclairage public, ces lampes mono-fréquence émettent une lumière d'une fréquence tellement basse que les couleurs autres que le jaune et le noir sont invisibles; dans le cas du Weather Project, ces lampes transforment le champ visuel autour du soleil en un vaste paysage bicolore. Le soleil irradie une lumière suffisante pour que les visages des spectateurs soient éclairés dans tout l'espace; cette lumière lie l'espace réel avec la réflexion produite par les miroirs
Tags: artiste, tate modern, land art, miroir, espace, Londres
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Résumé On trouve de nombreuses définitions très différentes de ce que peut représenter l'art contemporain. Tout d'abord le terme contemporain désigne : celui qui vit à notre époque. Il s'agirait donc de l'art du maintenant, l'art qui se manifeste dans le même moment, et au moment même ou le public le perçoit. L'expression artcontemporain est habituellement utilisée pour désigner les pratiques et réalisations d'artistes d'aujourd'hui, ainsi que les musées, institutions, galeries montrant leurs œuvres. En réalité, certains auteurs nuancent cette idée : l'art contemporain proprement dit commence à partir de 1945.
1. Qu'est-ce que l'art contemporain ?
2. Comment l'art contemporain se constitue en patrimoine ?
3. L'art contemporain constitue t-il un patrimoine pour le public ?
4. Le cas Beaubourg
Extrait du document L'expression art contemporain est habituellement utilisée pour désigner les pratiques et réalisations d'artistes d'aujourd'hui, ainsi que les musées, institutions, galeries montrant leurs œuvres. En réalité, certains auteurs nuancent cette idée : l'art contemporain proprement dit commence à partir de 1945.
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Résumé Le Pop art est un mouvement artistique qui a émergé au milieu des années 50 en Grande-Bretagne et en parallèle vers la fin des années 50 aux États-Unis. Son identité se construit autour du groupe « L'Independent Group » qui regroupait des intellectuels, artistes, architectures et critiques anglais.
I- Le contexte du Pop Art
II- Le Pop Art et Andy Warhol
Extrait du document Le Pop Art est l'un des mouvements artistique principaux du 20ème siècle.
Les années 1950 et 1960 sont un incroyable déballage de créativité inspiré par une société de plus en plus consommatrice. Le monde devient un terrain de jeu où les artistes de l'époque y puissent leurs inspirations. Tant de mouvements sociaux, de changements culturels, d'inventions de tous les types, de changements de marketing et de publicité qui sont encore aujourd'hui une partie intégrale de nos vies quotidiennes.
Tags: pop art, andy warhol, art d'après-guerre, art américain
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Résumé Le Land art est une tendance de l'art contemporain, un mouvement faisant apparition à la fin des années soixante. Dans les paysages désertiques de l'ouest des États-Unis, Robert Smithson, Robert Marris, Walter de Maria (c'est d'ailleurs lui qui
a inventé le terme de Land art), et d'autres artistes créent cette tendance de l'art contemporain. Ils veulent quitter le cadre contraignant des musées ou des galeriesd'art, se débarrasser du chevalet et des grands principes du Modernisme, vantés par le
critique d'art Clement Greenberg, afin de travailler dans et avec la nature, « in situ ». Il ne s'agit plus de représenter son environnement mais de l'utiliser comme support, comme outil de création. Le Land art désigne l'ensemble des arts se servant de la nature comme matériau, comme « support ».
1 - Contexte du mouvement
2 - Caractéristiques plastiques
3 - Liens avec d'autres disciplines artistiques
4 - Citez 5 artistes essentiels au mouvement, les présenter brièvement, citer 1 ou 2 oeuvres
5 - Choisir 2 oeuvres d'artistes différents, les décrire en expliquant en quoi elles correspondent au mouvement
6 - Personnel
Extrait du document Les oeuvres, comme dans "double négative" de Heizer sont parfois gigantesques : Pour cette oeuvre de Michel Heizer, 240 000 tonnes de roches ont été déplacées. Des oeuvres aussi grandes ont pour but de provoquer chez le spectateur une perte de
repère, un envahissement de l'oeuvre. Sa perception de l'espace est chamboulée. Mais les artistes se servent parfois également de produits manufacturés (fabriqués ou transportés industriellement).
Exposé portant sur Andy Goldsworthy, "land" artiste du 20ème siècle, qui est connu pour sa faculté d'assembler les matériaux qu'il trouve dans la nature, sur son passage.
2260 mots (approx. 5.7 pages), 0 sources, 2008, 5,95 €
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Résumé Les motivations premières du Land Art est de se débarrasser de l'art de chevalet, pour être encore plus proche de la nature, tant souvent représentée en essayant toujours d'être le plus juste possible.
Comme la plupart des mouvements nés dans les années 1960, le Land Art cherche à lier l'art et la vie, en essayant d'arrêter de produire des œuvres destinées à être admirées seulement dans des musées.
Andy Goldsworthy, correspond à la génération qui s'est inspirée du précurseur du Land Art Robert Smithson.
Il est intéressant alors de comprendre en quoi consiste son travail.
I. Land Art
II. Biographie
III. Oeuvres
Extrait du document Né aux Etats-Unis au milieu des années 1960 par un groupe d'artistes lors d'une exposition intitulée "Earthworks", à la Dwan Gallery à New York, le land art est un mouvement artistique crée dans le désir de rompre, de bannir l'idée commerciale que l'on donne aux œuvres d'art ainsi que le côté enfermé, vitrine où l'on range les chefs d'œuvres. Les artistes veulent quitter les musées pour plus de liberté et rendre la liberté. Le land art est apparu, à la fois aux USA et en Europe, en même temps que les diverses révoltes étudiantes, le triomphe de la POP music et les premières communautés hippies.
Cette forme d'art consiste à intervenir sur un site naturel : montagne, campagne milieux urbain… Ces interventions font appels le plus souvent à des matériaux eux-mêmes naturels. Beaucoup d'artistes utilisent des matériaux qu'ils trouvent la plupart du temps sur place, fascinés par leur évolution et leur décomposition organique (bois, terre, pierres, sable, rochers...). Il arrive aussi qu'ils introduisent des produits manufacturés (ex : 400 poteaux d'acier attirant la foudre dans le désert du Névada par Walter De Maria). Souvent gigantesques, les œuvres sont éphémères, détruits sitôt crées ou livrés à l'usure du temps.
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Résumé FONTAINE, Marcel Duchamp, 1917. Urinoir comme objet d'art. Ceci est une ouverture de la trappe sur un gouffre. Un trou noir absorbant le sens, le cœur, laissant la coquille pleine de snobisme. L'art comtempo-rien prend des airs, mais c'est justement l'air qui le compose. Du moins le vide, le néant. Quelques gesticulations provocatrices dans une société du spectaculaire provocatrice, et voilà que nait l'art contemporain, que n'est l'art contemporain. Une abyssale mise-en-abime du non-sens. Quand la subversion est répétée à l'excès par, en plus, les bébés conçus dans les éprouvettes du système et s'affirmant de surcroit 'rebelles', 'contre le système'...ils ne font que délimiter le cadre de celui-ci. Marcel Duchamp a bouleversé l'art en remettant en question le statut de l'objet industriel, celui de la création, le sexe des objets, la fonction d'une exposition, l'art aux États-Unis... En réitérant indéfiniment cet acte, les artistes du Divin Marché (de l'art contemporain) dépècent et vident l'art à chaque re-re(...)présentation. Nous sommes dans une société du spectacle. Décomplexée, où les valeurs sont soit inversées, soit nihilées. Et gare à celui qui prend position contre cette 'modernité'.
Extrait du document Par cette œuvre Duchamp met alors en place une problématique nouvelle où il cherchera le dépassement par la mise en question de ses propres fondements, plus précisément ceux de l'art. Mais parce qu'elle est sublime, son œuvre va encore au-delà de l'art, puis que « l'art est ce qui rend la vie plus intéressante que l'art ».
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Résumé Depuis le classicisme l'art s'est, d'une certaine manière, affranchi, émancipé c'est à dire que l'artisan est véritablement devenu maitre de sa démarche propre, les commanditaires et mécènes ont diminués et l'artiste, s'il voulait vivre de son talent devait exposer, plaire et surtout vendre ses œuvres. En effet auparavant les réalisations artistiques étaient la plupart du temps religieuses quel concernent les arts premiers ou la période moderne (s'inscrivant dans la Renaissance et le 15eme siècle). Mais dans l'Histoire, l'art a toujours été mis à disposition de divers buts. La propagande en est l'exemple le plus représentatif. Aujourd'hui, la création est en théorie plus indépendante vis à vis de la société mais l'art contemporain n'échappe pas à une certaine demande.
1/ La mise en valeur : La publicité
2/ Les événements
3/ Le message
Extrait du document On peut considérer le pays, la région ou comme ici la ville comme un lieu où l'art est présent durant nombre de manifestation. En effet si les expositions sont ouvertes à tous, un musée reste un espace socialement sélectif. La plupart du temps la ville met alors en place une culture plus accessible est l'art y est inclus.
Dissertation qui tente, en s'appuyant sur des exemples précis, de retracer et commenter les pratiques d'appropriation dans l'art du 20ème siècle, des avant-gardes historiques aux années 1960.
1780 mots (approx. 4.5 pages), 0 sources, 2008, 4,95 €
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Résumé Il faut avant tout se mettre d'accord sur la signification du mot appropriation car il renvoie à plusieurs démarches.
La première est celle du vol, de l'usurpation et de l'escroquerie. C'est donc l'appropriation de quelque chose qui ne nous appartient pas. Cependant, il existe une toute autre signification qui se situe du côté du prélèvement et du réinvestissement personnel.
C'est donc de ce point de vue une rencontre, un échange, une analyse débouchant sur une innovation.
S'interroger sur la notion d'appropriation dans le monde de l'art est donc complexe de part la diversité de modalité d'appropriation.
L'appropriation telle qu'elle est conçue dans ce devoir est donc une composante du processus créateur.
C'est un processus actif qui découle d'un acte volontaire et d'un engagement de la part de l'artiste à réaliser quelque chose à partir d'une chose déjà existante.
Cette étude présente l'appropriation dans l'art au travers d'une petite analyse des différents mouvements artistiques dans l'art contemporain.
Extrait du document Le fauvisme ne se présente pas comme un groupe d'artistes homogène, mais plutôt comme un mouvement dans l'air du temps, où les artistes représentaient les choses telles qu'ils les voyaient et non telles qu'elles étaient réellement. Il y a donc appropriation du réel par le peintre pour le modifier avec son imagination ou sa vue. Il peint l'objet tel qu'il le voit. Le chef de file du fauvisme était Henri Matisse, mais d'autres grands artistes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck ou encore Georges Braque en ont fait partie. Il est caractérisé par l'audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres séparent la couleur de sa référence à l'objet afin d'accentuer l'expression. Ils réagissent de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l'Impressionnisme, et répondent avec violence par l'emploi de couleurs pures et vives. Il modifie ainsi l'objet mais seulement au niveau visuel grâce au jeu des couleurs.
Tags: collage, cubisme, surréalisme, œuvre, réalisme, pop art
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Résumé Le Corbusier fait sans doute partie des plus grands noms de l'architecture française contemporaine.
Cette étude donne une vision de l'œuvre architecturale et du parcours intellectuel et idéologique de Le Corbusier à travers six œuvres singulières ici étudiées en détail :
1. La Villa Schwob (Suisse)
2. La Petite Maison (Suisse)
3. La villa Savoye à Poissy
4. Une Unité d'habitation à Marseille
5. La Chapelle Notre-Dame-du-Haut en Haute Saône
6. Le Cabanon, dans les Alpes Maritimes
Extrait du document Le Corbusier avait d'abord imaginé un chalet. Puis une maison à deux étages. En 1924, il établit un plan définitif : une « boîte allongée sur le sol » d'une soixantaine de mètres carrés (4m de profondeur sur 16 m de long et 2,5m de haut). Une fenêtre unique sur 11 m de long. Et un toit jardin. Contemporaine des fenêtres en bandeau sur les villas La Roche et Jeanneret, « acteur primordial de la maison », la fenêtre de corseaux a le privilège de l ‘exception : le paysage qu'elle embrasse, qu'elle encadre. Omniprésent, ce paysage l'est plus encore du toit terrasse, que le Corbusier rêve bucolique : couvert de géranium sauvage ou de myosotis semés au hasard des vents…
Exposé concernant l'oral d'entretien du Concours de recrutement au professorat des écoles portant sur les arts à l'école cycle primaire et en maternelle.
6075 mots (approx. 15.2 pages), 0 sources, 2010, 10,95 €
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Résumé Ce document décrit tout ce qu'il faut savoir sur les arts à l'école.
"Les pratiques artistiques individuelles ou collectives développent le sens esthétique. Elles favorisent l'expression, la création réfléchie, la maîtrise du geste et l'acquisition des méthodes de travail et de techniques. Elles sont éclairées dans le cadre de l'histoire des arts, par une rencontre, par une rencontre sensible et raisonnée avec des œuvres considérées dans un cadre chronologique".
1 . L'enseignement des arts à l'école primaire
2 . Enjeux, objectifs et pratiques des arts à l'école
Extrait du document Les activités visuelles et tactiles, auditives et vocales accroissent les possibilités sensorielles de l'enfant. Elles sollicitent son imagination et enrichissent ses connaissances et ses capacités d'expression ; elles contribuent à développer ses facultés d'attention et de concentration.
Elles sont l'occasion de familiariser les enfants, par l'écoute et l'observation, avec les formes d'expression artistique les plus variées ; ils éprouvent des émotions et acquièrent des premiers repères dans l'univers de la création.
