Résumé
Le problème posé peut se traduire de manière suivante :
est-ce suffisant d'avoir un don, un talent pour être un artiste ? N'y a t-t'il pas besoin d'autre chose ? Il s'agit donc de se demander si le don est une condition suffisante pour être un artiste ou encore de se demander si l'on a besoin d'avoir un don pour être ou devenir artiste. On en vient à se demander ce qu'est vraiment un artiste.
Si être artiste c'est avoir des activités artistiques, alors presque tout le monde est artiste donc il n'ya nul besoin d'être doué, il n'ya besoin de rien.
L'Art est au sens ancien tout-savoir faire, toute pratique produisant un résultat non naturel et au sens esthétique moderne toute production ou création d'œuvres destinées à plaire c'est-à-dire susciter par leur aspect une appréciation esthétique positive. L'Artiste est donc celui qui est capable de produire quelque chose de non naturel, une œuvre qui sera destinées à plaire, à susciter une bonne appréciation.
Comment le doué grâce a son don est immédiatement qualifié d'artiste ? Le don est-il indispensable a l'artiste?

Extrait du document
Kant affirme aussi que «Dans la mesure où l'absurde peut lui aussi être original les productions du génie doivent être également des modèles sans êtres elles mêmes créées par imitations, elles doivent être proposées à l'imitation des autres c'est-à-dire servir de critères ou de règle de jugement ». Pour lui le travail du génie est si parfait et remarquable que toute personne voulant se prétendre au poste d'artiste devrait prendre pour exemple, pour modèle le travail d'un génie.

Mots-clés:génie, poème, talent, appréciation, persévérance

Résumé
Avec l'évolution de l'art, l'apparition de nouvelles formes telles que le design, les repères dans le domaine semble se brouiller. On se questionne particulièrement sur ce qu'est une œuvre d'art, si les créations de certains peuvent être considérées comme des œuvres d'art et, a fortiori, si ces hommes sont des artistes. Certains considèrent que l'on nait artiste ou pas, d'autres au contraire estiment qu'un artiste sommeille en chacun de nous. Mais cette définition est relativement vague et laisse une part de subjectivité assez importante.

I. Tout le monde n'est pas artiste

II. Tout le monde ne peut pas devenir artiste

III. Le pouvoir de l'artiste


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Kant distingue les effets de la nature des œuvres d'art. Il prend pour cela l'exemple des abeilles. Ces insectes produisent des gâteaux de cire édifiés avec une régularité admirable, mais ils ne fondent leur travail sur aucune réflexion rationnelle. De ce fait, c'est un produit de leur nature, il s'agit de leur instinct. Au contraire, un outil en bois est une production artistique au sens de technique, faite par l'homme après qu'il l'ait pensé. Cette idée peut facilement être compréhensible en s'appuyant sur l'exemple de Léonard de Vinci qui, avant de créer un tableau, faisait une multitude de dessins préparatoires.

Mots-clés:don, génie, talent, habileté, connaissance, métier

Résumé
Les artistes et les artisans ont en commun d'être des producteurs qui transforment le donné naturel, mais nous refusons pourtant de les placer sur le même plan : l'artisan a une compétence, l'artiste a du talent ; ‘artisan a un savoir faire, l'artiste a du génie. L'artisan fabrique des objets destinés à être usés par leur usage, c'est-à-dire détruits par la consommation : il produit des objets destinés un jour ou l'autre à être remplacés par d'autres objets remplissant la même fonction. L'artiste de son coté produit des œuvres singulières et irremplaçables, à chaque fois absolument neuves et à nulles autres pareilles.

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Il ne suffit donc pas de priver un objet courant de son usage pour en faire, au sens propre, une œuvre d'art, parce que création et fabrication diffèrent effectivement : comme l'affirmait déjà saint Augustin, le bon menuisier, c'est celui qui est en tête exactement l'idée du coffre qu'il veut réaliser, avant même d'empoigner le premier outil.

Mots-clés:fabrication, manuel, outil, création, compétence, objet, main, génie

Résumé
Cet extrait de Bergson expose la relation entre la démarche philosophique et la démarche artistique. Il en résulte une grande ressemblance quant à la vision et l'opposition à toute vérité générale non établie. Si l'artiste, le peintre est avant tout un observateur il n'oublie donc pas d'utiliser l'imagination pour arriver à ses fins tout comme le fait un philosophe avec ses idées. Pourtant le rapprochement ne semble pas évident lorsqu'on connait notamment les observations entre concret et abstrait ou bien objectivité et subjectivité. Ainsi, en quoi, malgré une démarche commune, philosophes et artistes sont-ils radicalement opposés ?
Tout d'abord, artistes et philosophes se confondent dans leurs démarches, leurs choix et principes. Cependant subsistent des différences notamment au niveau de l'utilisation des émotions opposés à la vérité ou encore dans l'opposition abstrait et concret.

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Par ailleurs, tandis que le philosophe, pour faire passer ses idées et ses Vérités utilise l'argumentation organisée et concrète l'artiste expose plus une expression de l'émotion qui est irrationnelle, ennemi de la Vérité car elle empêche l'établissement de celle-ci en lui interdisant tout champ d'action. En effet, l'émotion est un des principaux facteurs de l'harmonie dans une représentation ; ainsi, « la Pietra », sculpture de Michel-Ange exposant la Marie avec Jésus mort mort sur la croix dans ses bras est un théâtre d'émotions. En effet, le visage de la Vierge est un visage empli de compassion, d'amour et d'espérance.

Mots-clés:liberté, méthode, évènement, objectivité

Résumé
Définition du statut des créateurs. La notion «d'élite» est paradoxale avec le régime démocratique. Cette élite se voit attribuer des privilèges remettant alors en cause la notion «d'égalité».


Introduction : méthode de l'analyse


I/ Les objets de l'analyse

1. De l'Ancien Régime au régime démocratique
2. Evolution de la notion de «singularité»


II/ Les enjeux de l'analyse

1. Persistance de l'inégalité dans le régime démocratique
2. L'élite artiste semble être acceptée par tous


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Par tradition la France est un pays d'artistes. De grands musées comme le Louvre à Paris sont la preuve du rôle de l'art, non seulement comme une attraction touristique, mais encore comme une forme de récit de son histoire, la construction de sa société et la représentation de sa démocratie, lequel a inspiré des régimes similaires dans toute la planète.
Dans ce contexte, avec son oeuvre L'Elite artiste: Excellence et singularité en régime démocratique, Nathalie Heinich présente une analyse sociologique, en évitant de faire un simple jugement historique ou esthétique, du rôle de l'artiste dans la société française. Comme elle-même le clarifie, la réponse à tout type de positions sur les valeurs ne comprend pas « la compétence du sociologue ».
En utilisant un cadre temporel que se situe entre la révolution de 1789 en France à nos jours, toujours en faisant référence à la société française dans lequel l'artiste s'inscrit, l'auteur fait une démonstration de façon chronologique avec l'utilisation de plusieurs documents, dont des romans, des pièces de théâtre, des témoignages et de données statistiques de l'époque. Son analyse se centre sur quatre parties différentes ; quatre chapitres où Heinich observe la même problématique sur différentes époques.


Mots-clés:démocratie, art, don, vocation, valeurs, mission

Résumé
Au cours du XIXème siècle, deux courants littéraire se démarquent : le romantisme, qui regroupe les thèmes de la beauté, du rêve, des sentiments, mais aussi du mystère et du fantastique ; et le symbolisme.
Un des grands poètes du XIXème siècle, Charles Baudelaire, fut considéré comme l'un des précurseurs du symbolisme. Il adorait les idéaux des Lumières et fut surtout inspiré par le poème d'Aloysius Bertrand, Gaspard de la Nuit, premier poème en prose.
En 1869, il publie "Petits Poèmes en Prose", qu'il souhaitait voir comme une « prose poétique […] assez souple et assez heurtée pour s'adapter aux mouvements lyriques de l'âme [et] aux ondulations de la rêverie ». Dans cette œuvre, on n'observe aucun lien entre les différents poèmes, ce qui permet de les lire tous séparément. De plus, ils sont tous en prose, mis à part le dernier qui est en vers.
Dans ce texte, « Le confiteor de l'artiste », l'auteur expose son combat contre la beauté de la Nature et y exprime les sentiments qu'il éprouve face à elle. Le poème est donc tout à fait lyrique. Cependant, il exagère beaucoup ces points dans son texte et amplifie considérablement ce combat. Le poème est donc également emphatique.

I) Un texte lyrique

II) Un texte emphatique




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Cette emphase va accentuer l'importance du combat livré par le poète à la Nature. L'auteur semble déjà irrésistiblement attiré par la Nature. L'énumération des lignes onze et douze : « sans arguties, sans syllogismes, sans déductions », avec l'anaphore du mot « sans » exprimant une absence de ces raisonnements compliqués, montrent l'extrême facilité à poser son regard sur la beauté de la Nature. La simplicité de ce geste est donc mise en valeur pour montrer une attirance intellectuelle.

Mots-clés:attirance, plaisir, anaphore, douleur

Résumé
Yves Klein est né le 28 avril 1928 à Nice, de parents tous deux artistes. Son père, Fred Klein, est un peintre figuratif quant à sa mère, Marie Raymond, est un peintre abstrait géométrique, largement reconnue à partir de 1945. Cet environnement le familiarise très tôt avec le milieu artistique, mais Yves Klein s'oriente tout d'abord vers une autre carrière.
S'il peint spontanément depuis son adolescence, c'est en subordonnant la peinture à d'autres activités. Tout d'abord au judo auquel il s'initie en 1947, alors que cette pratique n'est pas encore réduite à un sport mais se veut une méthode d'éducation intellectuelle et morale visant à la maîtrise de soi.

1. En quoi un des artistes les plus importants du Nouveau Réalisme, Yves Klein, peut s'apparenter au Pop Art
2. En quoi il diffère du Pop Art et du Nouveau Réalisme

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Yves Klein a été reçu dans l'ordre des chevaliers de Malte et était très croyant. Cette recherche de spirituel est, contrairement à ce que l'on peut penser, très présente dans son œuvre. Prenons l'exemple de ses monochromes bleus. L'interprétation moderniste tend à une sorte de représentation du vide, de l'espace dans l'idée d'une « non-œuvre », à une recherche de « l'art pur ». Pourtant à travers ce bleu il cherchait sans doute une élévation spirituelle.

Mots-clés:andy warhol, nouveau réalisme, anthropométrie, Warhol, icône byzantine

Résumé
Cette étude commente la citation de Millet, parue en 2006, dans "L'art contemporain" : «On a compris qu'on ne rencontrerait plus guère d'artiste qui pose en génie, ni qui revendique un don particulier. C'en est fini du savoir-faire qui le distingue du commun des mortels, c'est plutôt la volonté de mener jusque dans ses ultimes conséquences une idée, un choix, un geste absolument arbitraires».
Jusqu'à une certaine époque, la valeur d'une œuvre d'art était surtout mesurée en fonction du degré de difficulté, et de la virtuosité dont l'artiste faisait preuve, que ce soit en sculpture ou en peinture, pour ne prendre en considération que ces deux disciplines. De l'harmonie de la composition, du rendu des couleurs, de la complexité de sa technique ou encore d'une certaine forme d'innovation dans ces domaines, dépendait le succès que l'œuvre rencontrerait auprès du public.
De nos jours, cette conception technique de l'œuvre d'art a quelque peu disparu.
Comment a-t-elle évolué ?
C'est en partie ce que cette étude tente de déterminer. Car c'est un peu ce que suppose cette déclaration de Catherine Millet, lorsqu'elle évoque la «mort» du savoir-faire et la «naissance» de l'art comme idée.

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Aujourd'hui l'enjeu n'est plus le même. L'artiste ne doit pas spécialement montrer à quel point il est doué mais plutôt à quel niveau il est capable de transmettre son idée, de la matérialiser. Si à une certaine époque l'artiste pour être pris en considération devait posséder dés le départ un certain savoir faire, de nos jours ce n'est plus vraiment ce qu'on lui demande. Mais le contexte dans lequel l'art est exercé n'est plus du tout le même. Si quelqu'un a besoin d'une image précise, il ira voir un illustrateur. Contrairement à une époque comme la Renaissance par exemple où pour être (re)connu il fallait répondre à des commandes précises : les seules personnes appréciant (j'entends par là pouvant « juger ») l'art en étaient les commanditaires, les mécènes, un public initié qui pouvait imposer ses exigences à l'artiste puisqu'il le payait (entre autres choses). Est-ce que comme la « demande » est différente de nos jours, le rendu l'est aussi, en conséquence ? Avant un commanditaire pouvait demander à l'artiste de refaire le tableau si celui-ci ne lui plaisait pas. L'artiste se devait donc de répondre à certains critères.

Mots-clés:contemporain, provocateur, rebelle, collage, figuratif, fantastique

Résumé
L'oeuvre de Mellan s'inscrit dans le XVIIème siècle, siècle de l'avènement de l'image, avec notamment des artistes comme Jacques Callot ou Abraham Bosse. C'est l'époque surtout des gravures de reproduction, des illustrations de romans et des feuilles satiriques.


1.Biographie de l'artiste
2.Son oeuvre gravée
3.Etude d'une gravure: La sainte face



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C'est certainement à cause de son caractère peu sociable qu'il n'entre pas à l'Académie.
Il est issu d'une famille dont le père est artisan chaudronnier, travaillant le cuivre. Ce milieu de l'artisanat, et plus précisement du métal, eut un rôle primordial pour Mellan puisque c'est son père qui le plaça en apprentissage chez un artiste auquel il fournissait les planches. Puis Mellan part pour Paris très jeune. Là, c'est très certainement un client de son frère chaudronnier qui l'initie au burin.
Il grave plusieurs planches, puis comme de nombreux artistes français, il part pour l'Italie, en 1624, où il reçut sa formation artistique. Là, il sera l'élève de Villamena et également l'élève de Simon Vouet (artiste parisien dynamique et mobile qui fut président de l'Académie de Saint-Luc à Rome en 1624) .


Mots-clés:XVIème siècle, Louis XIV, gravure, taille-douce, Classicisme, France

Résumé
L'artiste exerce une activité à part entière, mais que peut-on dire de celle-ci ? L'activité artistique relève-t-elle du travail ou du jeu ? L'artiste crée-t-il pour se divertir ou pour vivre ? On peut s'interroger sur la raison première qui pousse l'artiste à créer.
L'art, est-ce un divertissement ou un travail rentable ? Doit-on jouir de l'activité artistique ou en vivre ?
Cette étude montre d'abord en quoi l'activité artistique est jeu pour ensuite en voir les limites.

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L'artiste, au départ, passe par le même apprentissage que l'artisan qui, d'après Renoir, "s'apprend au musée". Il se distingue ensuite de l'artisan par la finalité de son oeuvre. L'artisan crée pour vendre, il conçoit des oeuvres "utilitaires", selon un modèle, une demande ou une idée précise. L'artiste, lui, crée en vue de s'exprimer.
Kant a dit : "la belle représentation d'une chose et non la représentation d'une belle chose".
Cette idée montre que l'artiste crée selon son idée, sa conception du beau et non pour plaire. Il immortalise des choses qui comptent à ses yeux non pas pour leur beauté mais pour leur importance. L'oeuvre de l'artiste reflète ce qu'il est réellement.
L'artiste, par son oeuvre, évoque sa conception du beau, ses idées, sa personnalité.

Mots-clés:représentation, message, imagination, expression, échappatoire, divertissement