Résumé
Il s'agit dans un premier temps de comprendre cette révolution de pensée où les mentalités et les idées philosophiques renouvelées font de la tendance déconstructiviste du romantisme une réflexion à la fois sur le langage et la pensée, sur la raison et l'entendement.
En s'appuyant sur la thèse kantienne, les idéalismes allemands tentent ainsi de comprendre Kant et sa philosophie en mettant en avant les contradictions de sa pensée.
Comment est envisagée la théorie de la connaissance esthétique ? Comment est pensée l'idée de l'art, l'œuvre d'art dans le romantisme allemand ?
C'est ce que cette étude tente de comprendre à travers cet ouvrage.

1. Pensées romantiques ou la naissance de concepts
a. L'art comme médium-de-la-réflexion
b. Fichte et le concept de réflexion dans le romantisme allemand

2. Le concept de critique esthétique
a. Théorie de la connaissance esthétique et œuvre d'art
b. L'Idée de l'art


Extrait du document
C'est bien une présentation du concept de critique esthétique, dans son évolution, dans ses transformations que Walter Benjamin expose dans son ouvrage, sa thèse de doctorat. Ce concept, comme le définit Benjamin a traversé le temps et a trouvé un renouveau à l'époque du romantisme allemand. C'est ce renouveau qu'il s'agit pour nous de situer et de comprendre, grâce à Benjamin le rapport de la critique à la théorie esthétique. Le concept de critique est une notion disposant à l'époque du romantisme d'un statut à part et élevé. Comme nous avons pu le voir dans l'introduction de cet exposé, le terme de critique esthétique dispose d'usages et de considérations multiples. Schlegel par exemple assimile l'art à la poésie qui lui ait si chère.

Mots-clés:art, connaissance, doctrine, réflexion, logique, conscience

Résumé
L'extrait tiré de la "critique de la faculté de juger" de Kant(de‎ "Je dis donc : le beau est le symbole du bien moral..." à ‎ "...suscité par des jugements moraux.") concerne le goût et le jugement du beau. Dans un premier temps, Kant s'intéresse à l'aspect intelligible de la faculté de juger le beau. Puis, il insiste sur le fait que le goût, en esthétique, correspond à la faculté universelle de juger le beau, et non de la sensibilité particulière d'un individu. Enfin, Kant discute du jugement individuel et universel.

Extrait du document
‎« La faculté de juger ne se voit pas dans le goût, comme dans le jugement empirique, ‎soumise à une hétéronomie des lois de l'expérience », nous montre que la faculté de juger est ‎possible seulement par nos capacités cognitives et non par nos données sensitives, c'est-à-dire ‎empiriques (qui sont du registre de nos propres expériences). Donc le goût est cette faculté de juger ‎le beau par l'intelligible car les données empiriques sont soumises à une hétéronomie, c'est-à-dire un ‎état de volonté qui obéit à une impulsion étrangère à la raison. Ainsi des données basées sur nos ‎sens nous mènent à la subjectivité. En effet, l'expérience personnelle n'est jamais à l'identique de ‎celle des autres, il n'y a là aucune objectivité or, l'universalité suppose de l'objectivité. ‎

Mots-clés:beau, art, sensibilité, esthétique, objectivité, subjectivité

Résumé
Le Pop art est un mouvement artistique qui a émergé au milieu des années 50 en Grande-Bretagne et en parallèle vers la fin des années 50 aux États-Unis. Son identité se construit autour du groupe « L'Independent Group » qui regroupait des intellectuels, artistes, architectures et critiques anglais.

I- Le contexte du Pop Art

II- Le Pop Art et Andy Warhol



Extrait du document
Le Pop Art est l'un des mouvements artistique principaux du 20ème siècle.
Les années 1950 et 1960 sont un incroyable déballage de créativité inspiré par une société de plus en plus consommatrice. Le monde devient un terrain de jeu où les artistes de l'époque y puissent leurs inspirations. Tant de mouvements sociaux, de changements culturels, d'inventions de tous les types, de changements de marketing et de publicité qui sont encore aujourd'hui une partie intégrale de nos vies quotidiennes.

Mots-clés:pop art, andy warhol, art d'après-guerre, art américain

Résumé
De manière générale, la critique est l'art de juger les œuvres littéraires et artistiques. En effet, elle porte un jugement sur une œuvre et en fait une analyse rigoureuse. Cependant, le terme « critique » est un mot vague puisqu'il existe une multitude de critiques. En effet, il existe la critique d'art, la critique de cinéma, la critique littéraire... La critique dont nous allons nous intéresser est la critique littéraire. La critique littéraire est l'étude précise d'une œuvre en particulier. En effet, elle établit un discours sur cette œuvre en discutant, en l'interprétant et en émettant des idées profondes. Une œuvre, en elle-même, est un document brut sans avis personnel. Le travail du critique est donc de proposer une vision d'esprit sur l'œuvre à laquelle il s'intéresse. De plus, il a la volonté de diffuser et de véhiculer un maximum d'idées en étudiant profondément l'œuvre en question. La critique effectue donc un véritable travail de fond.

I/ Les objectifs de la critique
II/La présentation des critiques

Extrait du document
La poésie peut donc souvent tomber dans le suggestif, procédé qui excite beaucoup l'imagination, car elle propose, tout d'abord, une imagination, mais aussi une dimension affective qui touche profondément. Grâce à Diderot, nous pouvons définir la poésie comme genre ayant une emprise sur le suggestif puisqu'elle est une œuvre à fort devoir de suggestion.

Mots-clés:dénoncer, critiquer, moralité, apprentissage, utilité, moquerie, genre

Résumé
La critique d'art est une science alliant de façon logique de nombreux domaines afin de comprendre une œuvre : philosophie, psychanalyse, structuralisme, art, etc… Elle peut être considérée comme un puissant mélange permettant de comprendre aisément ce que les artistes ont voulus faire ou créer. Que ce soit en littérature comme en peinture, le critique d'art est de nos jours indispensables (ne serions-nous pas perdus en visitant une exposition sans indications ni informations ?) car il permet aux débutants comme aux passionnés, de cerner le travail des auteurs. Cependant, effectivement, il ne faut pas perdre de vue que la critique d'art peut simplement exister selon un ingénieux équilibre, sans lequel elle ne sera pas là, si elle n'avait pour but que de dénigrer ou d'enjoliver de façon démesurée.

1. La critique d'art fait partie de l'art

2. Une critique moderne doit s'efforcer de produire une lecture interne de l'œuvre

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En effet, la critique d'art fait parti de l'art puisqu'elle s'interroge sur la littérature, la peinture, la sculpture, le cinéma ou bien encore la photographie. Elle amène à se poser des questions sur l'intérêt et l'idée de l'œuvre. Qu'a voulu exprimer l'artiste ? Qu'est ce qui se cache derrière les vers de Baudelaire ou les monochromes de Klein ? La critique a une très grande responsabilité puisqu'elle oriente les potentiels « clients » (lecteurs, spectateurs) et de ce fait, n'est pas forcément apprécié justement car elle a « trop d'impact ». Destouches disait à son sujet « La critique est aisée et l'art est difficile ». Au XIXème siècle, Baudelaire expliquait dans Salon de 1846 qu'il prônait « l'art pour l'art ». En effet, il sublime la sensibilité et cherche à atteindre la vérité essentielle, la vérité humaine de l'univers. Il rajoute dans Salon de 1859 « L'artiste, le vrai artiste, le vrai poète, ne doit peindre que selon ce qu'il voit, et ce qu'il sent ». Il annonce ainsi sa définition du l'art moderne, soit « l'art bizarre ». Pour lui, les critiques d'arts ne sont pas des personnes qui subliment l'art.

Mots-clés:penser, spectateur, effervescence, création, sensibilité, inutilité

Résumé
« Il n'y a pas plus de critique objective qu'il n'y a d'art objectif, et tous ceux qui se flattent de mettre autre chose qu'eux même dans leur œuvre sont dupes de la plus fallacieuse illusion. La vérité, c'est qu'on ne sort jamais de soi-même. C'est une de nos plus grandes misères. Que ne donnerions nous pas pour voir, pendant une minute, le ciel et la terre avec l'œil à facette d'une mouche, ou pour comprendre la nature avec le cerveau rude et simple d'un orang-outang ? Mais cela nous est bien défendu ».Opinion d'Anatole France exprimée dans une lettre à Adrien Hébard.
Dans ce texte, on voit qu'Anatole France considère que la critique comme l'art, ne peut pas être objective. C'est une œuvre de l'esprit nécessairement subjective dans la mesure où l'on est condamné à rester enfermés en nous-mêmes. Il semblerait que, pour Anatole France, le moyen d'atteindre une certaine objectivité serait la possibilité d'adopter divers point de vu comme celui, morcelé et complexe, de la mouche, ou celui, primitif et matériel, de l'orang-outang. Cependant, prisonnier d'une vision personnelle, sans possibilité d'en sortir, on finit par la croire la seule possible, la plus objective.

1. La nécessaire subjectivité de la critique.
2. Les critiques qui se veulent objectives.
3. Un compromis entre subjectivité et objectivité.

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Ainsi, la critique dogmatique procède par catégories ; elle utilise les critères de la littérature classique, théorisée par Aristote. Elle s'appuie sur un système de conventions afin d'éviter la subjectivité. Cependant il faut savoir que ce système ne peut pas être objectif : les critères et les conventions sur lesquels ils reposent ne sauraient être absolus et universels ; ils sont la cristallisation des choix esthétiques subjectifs d'une époque. Ainsi, en voulant atteindre l'objectivité, la critique dogmatique tombe dans l'arbitraire de la tradition.

Mots-clés:théorie, choix, objectivité, arbitraire, impressions, convictions, réflexion, données

Résumé
FONTAINE, Marcel Duchamp, 1917. Urinoir comme objet d'art. Ceci est une ouverture de la trappe sur un gouffre. Un trou noir absorbant le sens, le cœur, laissant la coquille pleine de snobisme. L'art comtempo-rien prend des airs, mais c'est justement l'air qui le compose. Du moins le vide, le néant. Quelques gesticulations provocatrices dans une société du spectaculaire provocatrice, et voilà que nait l'art contemporain, que n'est l'art contemporain. Une abyssale mise-en-abime du non-sens. Quand la subversion est répétée à l'excès par, en plus, les bébés conçus dans les éprouvettes du système et s'affirmant de surcroit 'rebelles', 'contre le système'...ils ne font que délimiter le cadre de celui-ci. Marcel Duchamp a bouleversé l'art en remettant en question le statut de l'objet industriel, celui de la création, le sexe des objets, la fonction d'une exposition, l'art aux États-Unis... En réitérant indéfiniment cet acte, les artistes du Divin Marché (de l'art contemporain) dépècent et vident l'art à chaque re-re(...)présentation. Nous sommes dans une société du spectacle. Décomplexée, où les valeurs sont soit inversées, soit nihilées. Et gare à celui qui prend position contre cette 'modernité'.

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Par cette œuvre Duchamp met alors en place une problématique nouvelle où il cherchera le dépassement par la mise en question de ses propres fondements, plus précisément ceux de l'art. Mais parce qu'elle est sublime, son œuvre va encore au-delà de l'art, puis que « l'art est ce qui rend la vie plus intéressante que l'art ».

Mots-clés:modernité, vide, sens, essence, Baudelaire, industrie de l'art, Benjamin, Warhol, révolution industrielle, artistes

Résumé
Le sens commun voudrait que la critique, qu'elle soit critique d'art ou de littérature, se montre à l'image du métier de juge ou d'historien : impartiale, juste, droite. La critique doit alors se refuser à porter un jugement de valeur sur les œuvres quelles qu'elles soient et admettre des lois universelles qui sont au-dessus d'elle. Mais, Charles Baudelaire, dans Salon de 1846 va à l'encontre de cette idée reçue et amène une certaine modernité dans la définition de la critique : « Quant à la critique proprement dite, j'espère que les philosophes comprendront ce que je vais dire : pour être juste, c'est-à-dire pour avoir sa raison d'être, la critique doit être partiale, passionnée, politique, c'est-à-dire faite d'un point de vue qui ouvre le plus d'horizons. »
L'étude se portera dans un premier temps sur le fait que toute critique est initialement partiale et subjective, puisque le premier critique est le lecteur ; mais il n'en demeure pas moins qu'il serait incorrect d'oublier qu'une œuvre ne tombe pas du ciel et que de fait, chaque auteur travaille en fonction de certaines idéologies. Elle se demandera enfin qu'elle est la « juste » place de la critique entre objectivité et subjectivité.

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Le premier critique subjectif est avant tout le lecteur, puisque chaque lecteur, quand il lit une œuvre, en a une vision bien personnelle, qui lui est propre ; comme le suggère Julien Gracq dans En lisant en en écrivant : « Un livre qui m'a séduit est comme une femme qui me fait tomber sous le charme : au diable ses ancêtres, son lieu de naissance, son milieu, ses relations, son éducation, ses amies d'enfance ! ». Le lecteur doit donc avant tout prendre du plaisir à lire une œuvre certes, mais il peut également y voir ce qu'il veut. Effectivement, un lecteur peut soit voir ce qu'il veut entre les lignes, un autre lecteur pourra dire qu'entre les lignes il n'y a que du blanc, se refusant à y voir les mêmes interprétations ; toute lecture est donc de fait totalement partiale et passionnée, et c'est en ce sens qu'elle « ouvre le plus d'horizons ».

Mots-clés:ironie, manuscrits, attitude, rigueur

Résumé
Le Land art est une tendance de l'art contemporain, un mouvement faisant apparition à la fin des années soixante. Dans les paysages désertiques de l'ouest des États-Unis, Robert Smithson, Robert Marris, Walter de Maria (c'est d'ailleurs lui qui
a inventé le terme de Land art), et d'autres artistes créent cette tendance de l'art contemporain. Ils veulent quitter le cadre contraignant des musées ou des galeriesd'art, se débarrasser du chevalet et des grands principes du Modernisme, vantés par le
critique d'art Clement Greenberg, afin de travailler dans et avec la nature, « in situ ». Il ne s'agit plus de représenter son environnement mais de l'utiliser comme support, comme outil de création. Le Land art désigne l'ensemble des arts se servant de la nature comme matériau, comme « support ».

1 - Contexte du mouvement
2 - Caractéristiques plastiques
3 - Liens avec d'autres disciplines artistiques
4 - Citez 5 artistes essentiels au mouvement, les présenter brièvement, citer 1 ou 2 oeuvres
5 - Choisir 2 oeuvres d'artistes différents, les décrire en expliquant en quoi elles correspondent au mouvement
6 - Personnel

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Les oeuvres, comme dans "double négative" de Heizer sont parfois gigantesques : Pour cette oeuvre de Michel Heizer, 240 000 tonnes de roches ont été déplacées. Des oeuvres aussi grandes ont pour but de provoquer chez le spectateur une perte de
repère, un envahissement de l'oeuvre. Sa perception de l'espace est chamboulée. Mais les artistes se servent parfois également de produits manufacturés (fabriqués ou transportés industriellement).

Résumé
La pensée de Baudelaire se nourrit autant de polémiques que d'apologies : c'est ce qui la rend si vive, concise et mordante. La doctrine baudelairienne de l'imagination, que l'on peut considérer comme presque tout entière rassemblée en une dizaine de pages dans le livre Critique d'art, article Salon de 1859 (pp. 278 à 288 dans l'édition Folio), est écrite au fil de la plume selon une chronique journalistique dense et enlevée plutôt que sous la forme d'un lourd et pesant traité. « Grise est la théorie, mais vert est l'arbre de la vie ! » semble proclamer Baudelaire à l'unisson de Goethe.

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L'imagination peut très vite se tarir, pour faire place à l'angoisse de la feuille blanche, tandis que le progrès postule faussement un avenir radieux et sans fin. La fécondité de l'imagination provient plus de la maturité que de l'enfance, la maturité étant la clairvoyance d'un esprit confiant en lui-même, mais se sachant voué au dépérissement prochain et à sa perte.

Mots-clés:angoisse, enfance, esprit, âme, pensée, imaginatif, dépérissement, vie