Résumé
« Fin de partie » est une pièce originale appartenant au « théâtre de l'absurde ». Une pièce a normalement pour fonction première de divertir le spectateur, de le faire rêver, de le transporter. Or, « Fin de partie » ne comble en rien les attentes du spectateur. Nous allons voir les procédés qu'a choisi Beckett afin de provoquer chez le spectateur un sentiment d'ennui et de malaise. Nous étudierons tout d'abord la scène d'exposition peu commune, avant de s'intéresser à l'ensemble de la pièce.

I/ L'incipit de la pièce
II/ Le déroulement de la pièce

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Avec l'annonce de la fin dès le début par Clov : « Fini, c'est fini, ça va finir, ça va peut-être finir », on ne laisse plus de doute au spectateur. Cette « annonciation de la fin avant la fin » crée un véritable paradoxe, occultant tout suspense et curiosité chez le spectateur, en lui annonçant d'entrée que la pièce n'aura pas d'issue. Par ailleurs La théâtralité apparaît dès le début... De ce fait, Clov est là pour « donner la réplique », obéissant aux ordres d'Hamm. Les personnages indiquent leur rôle d'acteur : « C'est à moi de jouer », rendant visible tous les artifices du théâtre.

Mots-clés:absurde, sombre, mort, tragique, dramatique, curiosité, rôle, personnage, artifice, théâtrale

Résumé
Samuel Beckett s'inscrit dans les auteurs d'avant-garde, après Ionesco, Adamov ou bien encore Genêt grâce notamment à sa pièce de théâtre "Fin de partie" qu'il a écrit et publié en 1957. Cette pièce met en scène quatre personnages dont deux se trouvent dans une poubelle. Cette pièce fut jugée déroutante en raison de son ambiance morbide, presque glauque, courante dans ce théâtre dit d'avant-garde, et parce que nettement en marge du théâtre classique. En quoi dès lors cette pièce de Samuel Beckett s'inscrit-elle précisément dans le théâtre d'avant-garde, par quels procédés et quels éléments de mise en scène ?
Le langage utilisé par Beckett est tout d'abord extrêmement déstructuré, et ne joue pas le rôle qui lui est habituellement attribué en littérature, ou tout simplement le rôle qu'il joue pour les hommes, à savoir celui de communiquer. On note ainsi de nombreuses répétitions et jeux de mots, totalement gratuits, présent uniquement pour le jeu sonore qu'ils représentent. Ils ne sont que le fruit de l'amusement de l'auteur.

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Les personnages sont effet repliés sur eux-mêmes et ne s'écoutent donc pas les uns les autres, restant tous isolés. Le langage ne sert finalement qu'à combler un vide, le vide de la pièce, de sa signification, et quand quelqu'un prend finalement la parole, ses paroles sont vides de sens, sans rapport avec ce qui a été dit avant. La parole ne sert plus de communiquant. Les personnages apparaissent donc comme égoïstes et renfermés.

Mots-clés:personnages, parole, langage, signification, ambiance, procédés

Résumé
Ni tout à fait une comédie, ni tout-à-fait une tragédie, mais pas non plus une tragi-comédie ; ni tout-à-fait classique, ni tout-à-fait baroque, mais hybride avec deux styles mêlés que l'on disait contradictoires. Art de l'alliance redoutée, harmonie des contraires, fusion des sœurs ennemies du théâtre, ainsi pourrait-on qualifier Dom Juan.
Sans doute est-ce par cette singularité que l'on ne retrouve dans aucune de ses autres pièces, que Molière a participé de façon originale au mythe du libertin.
Libertinage des mœurs, liberté du style.
Et c'est peut-être pour cela que l'œuvre s'adapte aux audacieuses mises en scène contemporaines…

I. Dom Juan, une tragédie ?
II. Dom Juan, une comédie ?
III. Dom Juan, une pièce baroque ?
IV. Dom Juan, une pièce classique ?

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Définie comme une comédie par son auteur, Dom Juan ne s'avère pas burlesque dans son intégralité mais révèle souvent maints traits s'apparentant à un genre opposé : la tragédie. La pièce, rédigée en cinq actes, présente un personnage principal noble, caractéristique de la tragédie selon les règles du théâtre classique. Si Dom Juan demeure un noble à part entière, ses mœurs ne sont pas toujours celles d'un « grand seigneur » : volage, athée, il est parfois cruel avec ses conquêtes amoureuses, avec Sganarelle ou encore avec le Pauvre. Mais ce sont bien les aristocrates -Done Elvire, Dom Carlos, Dom Alonse et Dom Louis- qui donneront à la pièce un visage plus tragique grâce à leurs états d'âme. Done Elvire et son désarroi ou Dom Louis et son éblouissement crédule nourriront les registres pathétique et tragique.

Mots-clés:blasphème, héros, châtiment, burlesque, drame, solennité, valet

Résumé
Molière dans le Misanthrope veut donner une vision fidèle des mœurs de l'époque par le biais du personnage principal de la pièce : Alceste. En effet ce dernier renvoie directement au titre de l'œuvre qui met en exergue son caractère misanthropique, et il offre une critique grinçante de la société, représentée dans la pièce, par le salon de Célimène. Alceste acquiert donc une dimension primordiale au sein de cette œuvre, c'est ce que dit notamment Paul Benichou dans Morales du grand siècle. Il caractérise Alceste de : « bourru extravaguant propre à attendrir par ses malheurs et sa sincérité mais toujours risible par ses excès et ses échecs », il ajoute qu'il est en parfaire opposition avec « la nature humaine et la nécessité sociale » et en quoi cela fait du personnage un type comique qui contredit à merveille la philosophie même de Molière. Paul Benichou discrédite totalement la dimension romantique selon laquelle Alceste serait admiré pour ses tourments dus aux sentiments « sublimes en eux mêmes ».

I/ Le personnage d'Alceste peut-être caractérisé comme un personnage risible et grotesque
II/ La dimension plus inquiétante et tragique qui peut se référer à ce personnage
III/ Dans quelles mesures Molière utilise Alceste afin de critiquer la société qui l'entoure

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En effet, c'est également le cas lors du sonnet d'Oronte et de la déclaration d'amour à Eliante. Lors de la lecture du sonnet, basé sur l'espoir d'un amour impossible, la fureur d'Alceste peut être expliquée par la scène qui s'est déroulée précédemment. En effet, Philinte était justement entrain d'exprimer ses doutes à Alceste par rapport à son amour pour Célimène.

Mots-clés:doute, amant, sentiment, dénonciation, critique, ironie, extravagant

Résumé
Grâce à l'écriture de la pièce de théâtre "Roméo et Juliette", Shakespeare devient un écrivain très célèbre. Cette tragédie met en scène un couple d'amoureux éponyme, qui sont issus de deux familles ennemies, leur amour est donc rendu impossible. Néanmoins, on peut se rendre compte que l'un des personnages éponymes, Roméo, va évoluer voire se transformer au cours de la pièce.

I) Un personnage métamorphosé
II) Roméo : de l'amour frivole à la passion

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En effet, on se rend compte que les sentiments que Roméo éprouve vont totalement changer au cours de la pièce. Au début de l'œuvre, celui-ci affirme ainsi être éperdument amoureux de Rosaline, qui ne lui porte aucune attention. Mais il oublie immédiatement ses sentiments lorsqu'il aperçoit Juliette pour la première fois, dans la scène 5 de l'acte I et qu'il en tombe immédiatement amoureux.

Mots-clés:amoureux, sentiment, émotion, mortelle, poison, romantique, aimer

Résumé
Bernard-Mari Koltès disait haïr le théâtre, et pourtant y retourner à chaque fois ; et pour cause, il affirme que la scène est le seul endroit où l'on assure que ce n'est pas la vie et donc pas la vérité. Dans cette optique, l'œuvre littéraire qu'est une pièce de théâtre peut-elle permettre de rendre compte de toute la dimension d'une scène ? La mise en scène ne fait-elle pas partie intégrante du processus théâtral déjà entrepris par le dramaturge ?

I) Le théâtre est un genre littéraire à part entière
II) La pièce de théâtre se réalise dans sa représentation
III) La mise en scène est porteuse de sens

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La représentation est porteuse d'une autre dimension : la pièce de théâtre se réalise dans sa représentation. La représentation fait partie intégrante du processus d'écriture. De nombreux moyens sont utilisés pour cette ultime étape : on retrouve des accessoiristes, des éclairagistes, des costumiers et bien d'autres dont l'objectif est de représenter des scènes en tenant compte (plus ou moins rigoureusement) de la conception de cette étape par le dramaturge.

Mots-clés:dramaturge, compréhension, accessoiriste, décor, éclairage, costume

Résumé
Les contes de fées et autres histoires d'enfants évoquent tous le thème de l'amour idéal. Il s'en va de même pour certains écrivains et poètes de l'occident tel Pétrarque ou Ronsard qui cherchent, dans leurs poèmes, à rendre compte d'un amour puissant, à ne pas dire excessif. Shakespeare se révèle être l'écrivain désillusionné de son époque. Roméo et Juliette, la pièce la plus renommée et la plus reprise du dramaturge, peut être vu en tant que satire de cet amour mythique démesuré. Etant donné les nombreux contrastes qui comblent la pièce, on peut se demander s'ils n'ont pas un rôle spécifique regardant l'acheminement du registre tragique.

1. Un terme paradoxal pour deux registres opposés

2. Une structure en parallèles et des variantes qui vont mener à la tragédie (tension)

3. Des personnages qui évoluent en leur contraires

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Le prologue nous annonce dés le début de la pièce que les amants sont nés sous une « mauvaise étoile », traduction de l'anglo-saxon « starcrossed lovers », ce qui connote une opposition fatale. En effet les deux amants sont issus de deux familles ennemis, Roméo des Montaigues et Juliette des Capulets. Les deux amants sont donc comme deux étoiles contraires qui ne peuvent pas vivre l'un sans l'autre. Le thème principal de la pièce est donc celui de l'amour impossible qui appartient incontestablement au registre tragique, car les amants ne pourront seulement être réunis éternellement par la mort.

Mots-clés:introspection, satire, chagrin, suicide, famille, noce

Résumé
Le poète Catulle appartenait au groupe des Neoteroi Poetaenaui, ensemble d'auteurs portés par un même idéal poétique. De ce cénacle, seuls les œuvres de Catulle nous sont parvenues. À la lecture de certains de ses textes que l'on peut saisir à la fois la composition et les projets du groupe. C'est notamment le cas du passage 35 de Carmen où, grâce au pastiche d'une lettre adressée à un certain Caecilius, nous sommes en mesure de comprendre les attentes des « nouveaux poètes ». En effet, cette pièce de l'œuvre de Catulle traduit en quelques vers les thèmes chers au poète.
Dans un premier mouvement on constate l'importance du cénacle comme un lien d'amitié (I - lignes 1 à 7), puis l'adresse à un confrère permet de l'évocation d'un topos poétique : la souffrance amoureuse (II – lignes 8 à 15), et enfin les dernières lignes du poème nous donnent les clefs du paradoxe de l'inspiration exposé par Catulle (III – lignes 16 à 18).

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On connaît le personnage de Lesbie censé représenter dans l'œuvre de Catulle la coïncidence entre un idéal féminin et littéraire. En effet, l'auteur ne rejette pas la thématique érotique comme on l'a montré dans le second mouvement, il semble simplement juger l'épopée mythologique comme une inspiration plus importante, et on peut penser que c'est bien ce message qu'il tente de transmettre à Caecilius. Dans ce cas, les compliments adressés à la maîtresse du destinataire à la fin du poème pourraient être interprétés comme une reconnaissance de sa propre utilité dans l'inspiration de son amant.

Mots-clés:inceste, mythologique, amant, amour, sentiment, amitié, rencontre, femme, idéalisation, vie

Résumé
Les nombreuses théories théâtrales ont tantôt donné une place importante au texte, tantôt à sa représentation, et chaque pratique du théâtre tend à privilégier l'un ou l'autre de ces aspects. Toute l'ambivalence d'une pièce réside en effet dans sa forme, car elle est à la fois une pratique d'écriture et une pratique de représentation.
Le théâtre est-il un genre vivant, qui ne se déploie dans sa complétude que dans une salle remplie des coeurs du public et des acteurs, ou est-ce un "théâtre de bibliothèque" qui permet un rapport plus intimiste à l'oeuvre ?

I. Le spectacle vivant
1. L'illusion comique
2. Le rôle positif des acteurs
3. Un public acteur ?

II. Les difficultés de la représentation
1. Comment illustrer les didascalies ou la poésie du texte ?
2. La place des décors
3. Giraudoux et le "théâtre des bibliothèques"

III. Les enjeux de la mise en scène
1. Le renforce le poids de texte
2. La question des mises en scène posthumes
3. Un théâtre moderne fondé sur la seule mise en scène


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Lors de la représentation théâtrale d'une pièce, les spectateurs voient sur scène des actions qu'ils s'imaginent être vraies et attendent en retour un certain divertissement. Le théâtre doit "donner à voir" et pour mieux "duper" le public on utilise des accessoires et on met en place des décors qui correspondent aux descriptions de la pièce écrite. Ainsi l'héroïne des Bijoux Indiscrets, explique que "la perfection d'un spectacle consiste dans l'imitation si exacte d'une action que le spectateur, trompé, s'imagine assister à l'action même". L'illusion fonctionne si bien qu'on peut dire que les effets que vise une pièce sont plus immédiats lorsqu'elle est représentée que lorsqu'elle est lue. Une pièce de théâtre "est d'abord un texte, dont les vertus sont celles de toute chose écrite, mais ce texte est joué, c'est-à-dire vécu devant nous" (G. Picon). En effet les situations comiques imaginées par Molière font davantage rire les spectateurs que les lecteurs. Par exemple la scène du Tartuffe où Elmire tousse face au dévot alors que son mari Orgon est caché sous la table est plus comique lors de sa représentation car le public visualise alors la scène dans sa totalité.

Mots-clés:scène, comique, accessoire, mimétisme, musique, texte

Résumé
Même si le langage des mots est primordial dans une pièce de théâtre, le langage visuel tel que le décor, les costumes, les accessoires, l'espace scénique aussi, et le langage sonore, y compris la musique, sont des éléments non négligeables, et ils ont une fonction et une symbolique importante et unique, ce qui enrichit l'intérêt du spectateur face à une représentation théâtrale.

I – Le langage des mots

II – Les autres langages scéniques


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Au théâtre, le langage des mots est primordial. Ce sont essentiellement les comédiens sur la scène qui l'énoncent. Parfois, un narrateur peut également intervenir entre les paroles et les dialogues de ces personnages. Ces dialogues, ou monologues sous forme de tirades (c'est-à-dire quand un seul personnage parle sur scène) sont utilisés pour donner des informations, faire évoluer et rendre parfois plus complexe l'intrigue, faire progresser l'action et amener un dénouement à la pièce. On remarque alors que les paroles prononcées ne s'adressent pas seulement aux personnages, mais indirectement aux spectateurs, qui deviennent alors des témoins et des participants à la scène.

Mots-clés:symbolisme, intrigue, bruitage, comédie dell'arte