Résumé
Pablo Picasso et Edouard Manet, deux génies en avance sur leur siècle, qui ont menée tout deux une existence qui fut toujours un pôle d'attraction public. L'œuvre réalisé par chacun est exemplaire, même si celle-ci ne fut pas toujours bien comprise par leurs contemporains.
L'œuvre de Manet déchaîne un scandale à Paris en 1863. Dans "Le déjeuner sur l'herbe" de 1961, Picasso conserve tous les traits essentiels du tableau classique.

I/ Edouard Manet (1832-1883)

a) Le mouvement impressionniste
b) Le Déjeuner sur l'Herbe

II/ Pablo Picasso

a) Le mouvement Cubiste
b) Le Déjeuner sur l'Herbe, d'après Manet. Les Déjeuners

III/ Comparaison des œuvres

Extrait du document
Le mouvement impressionniste auquel Manet appartient, est né à partir d'une association de peintres autour de Monet qui exécute leurs tableaux en plein air, sur le motif, et tentent de saisir les manifestations fugitives de l'atmosphère. En évitant l'atelier et ses artifices, ils recueillent des sensations visuelles du paysage, peignent la lumière et ses effets. L'esthétique impressionniste, annoncée par William Turner, reçoit l'influence de Gustave Courbet et du réalisme. Ses adeptes vénèrent Eugène Delacroix qui expérimente avant eux la division des tons, les couleurs complémentaires et les contrastes colorés.
Refusés aux Salons officiels et traités de « barbouilleurs », les artistes vivent dans la misère et cherchent à se faire connaître par des expositions privées. C'est à l'occasion de la première manifestation du mouvement, à Paris, que le journaliste Louis Leroy du Charivari donne naissance au mot « impressionnisme » en ironisant sur le titre du fameux tableau de Monet, Impression, soleil levant.
Les peintres impressionnistes utilisent des chevalets légers et de la couleur en tube de zinc, facilitant le transport. Les toiles choisies sont en générale de petites dimensions, et ils peignent plusieurs tableaux à la suite pour matérialiser les sensations éphémères qu'ils perçoivent.

Mots-clés:génie, talent, peinture, modèle, artiste

Résumé
«Massacre en Corée» est une œuvre du style expressionniste qui a été peinte en 1951 par Pablo Picasso.
Cet artiste espagnol est devenu membre du parti communiste en 1944 et a déclaré être un artiste révolutionnaire.
Cette œuvre est une œuvre de propagande qui place les Américains comme responsables des massacres de la guerre de Corée.
L'intention de Picasso était de critiquer le pouvoir occidental.

I. Contexte
II. Présentation de l'œuvre
III. Analyse de l'œuvre

Extrait du document
Lors de la Conférence de Yalta, un accord a été conclu entre Staline et les Alliés (Royaume-Uni et Etats-Unis) qui stipulait que l'URSS entrerait en guerre contre le Japon trois mois après la capitulation de l'Allemagne. Il était également convenu que les Alliés feraient en sorte que les forces japonaises situées au nord de la Corée se rendraient aux Soviétiques et celles situées au sud se rendraient aux Américains.
Le 9 août 1945, les soviétiques investissent le Nord de la Corée et le 8 septembre 1944, ce sont les Américains qui interviennent au sud.


Mots-clés:communiste, troupe, pouvoir, humanité, violence, terreur

Résumé
Dans ces années-là, Picasso s'affranchit des idées communistes. La guerre de Corée éclate alors en 1950 entre les forces de la Corée du Nord communiste, soutenues par la République populaire de Chine et l'Union Soviétique, et celles de la Corée du Sud sous l'influence occidentale, soutenues par les Nations Unies (principalement les Etats-Unis).
L'artiste s'engage donc à travers son œuvre "Massacre en Corée", pour dénoncer cette guerre qui n'est, selon lui, rien d'autre que le massacre de ses habitant par les troupes américaines.
Pablo Picasso utilise de la peinture à l'huile, pour exprimer son engagement. Pour l'étude de cette œuvre, le devoir s'attarde dans un premier temps sur cette technique, notamment sur sa naissance, son évolution dans l'histoire de l'art ainsi que chez l'artiste lui-même. I
l se focalise ensuite sur le sujet, sa composition, ses couleurs et l'utilisation ingénieuse de la technique de la peinture à l'huile.




Extrait du document
Réalisé sur contreplaqué, cette œuvre de dimension de 110x120cm est une peinture à l'huile. La pratique de la peinture à l'huile est ancienne, mais il fallut attendre le XVe siècle et le peintre flamand Jan Van Eyck pour qu'apparaisse une technique nouvelle, permettant un traitement plus facile, un rendu des couleurs plus lumineux et une altération de la surface peinte moins importante. En Italie, ce fut Antonello Da Messine qui popularisa cette méthode, dont les peintres de la Renaissance mirent à profit toutes les ressources. Ces artistes furent parmi es premiers à montrer toutes les ressources que l'on pouvait tirer de cette matière. C'est aux Vénitiens que l'on doit le passage à la peinture sur toile, qui permettait de se rouler lors d'un déplacement. Au XIXe siècle, les progrès de la chimie apportèrent de nouveaux pigments aux couleurs vives et brillantes. Grâce à l'invention des tubes en fer-blanc qui supplantèrent les anciennes vessies, les artistes furent dès lors à même de peindre la nature hors de l'atelier.

Mots-clés:Georges Braque, cubisme, plan, soldat, couleur, déshumanisation

Résumé
Pablo Picasso (1881-1973) est, de nos jours, considéré comme un artiste unique, singulier – voire un peu marginal – tant son œuvre est diverse.
L'œuvre proposée dans cette étude est une peinture d'un « nu couché (Marie-Thérèse) » datant d'Avril 1932. La dite-femme s'avère être en fait l'amante du peintre, marié en ce temps là, à Olga Klokova.
Le sujet de cette huile sur toile ne semble pas incroyablement original ; il s'agit d'un nu de femme, couchée, comme il en existe depuis l'Antiquité.
Cette étude explique comment Picasso traite ce sujet traditionnel de manière novatrice, moderne et originale.

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L'anatomie de Marie-Thérèse se dévoile sur une toile aux dimensions imposantes – 130 x 161.7 cm – à la limite du grandeur nature. Le corps s'est offert aux yeux du peintre, il s'offrira désormais aux yeux du spectateur. Peut-être s'agit-il ici de voyeurisme tant le corps est exhibé. Il occupe à lui tout seul la quasi-totalité de l'espace littéral. Notons d'ailleurs que cet espace est en format paysage, ce qui accentue la grandeur, l'important, de ce corps tant aimé par l'artiste. Par ailleurs il faut remarquer que le tableau se divise en quatre plans : le 1er touche aux fruits, le 2ème concerne le corps de Marie-Thérèse, le 3ème correspond au mur et sa tapisserie, ainsi que la fenêtre et enfin, le dernière se rapporte au soleil. Ce découpage se fait grâce à l'esprit du spectateur ; c'est lui qui le conçoit car Picasso semble avoir tout ramené à un seul et unique plan.



Mots-clés:plan, modèle, toile, perspective, interprétation, pudeur

Résumé
Les deux œuvres proposées pour l'analyse, l'une de l'espagnol Pablo Picasso réalisée en 1907 « Les Demoiselles d'Avignon » et l'autre de l'italien Raphaël « Les trois Grâces », réalisée entre 1504 et 1505 s'inscrivent parfaitement dans la représentation du nu féminin. Toutefois nous pouvons constater que, d'une œuvre à l'autre, et donc, d'une époque à l'autre, les représentations sont totalement différentes. En effet, si à la Renaissance le nu se devait avant tout d'être esthétique et ne surtout pas choquer par l'érotisme suggéré, dès le XIXe siècle, les nus deviennent beaucoup plus "crus", réalistes. Puis peu après cet accent réaliste, le cubisme vient révolutionner le nu, qui va se représenter sous des abstractions géométriques.


I- Analyse comparative
II. Les différences

Extrait du document
Les deux œuvres que nous étudions sont de deux époques différentes. C'est donc pour cela que leurs conceptions sont différentes. En effet, l'œuvre de Raphaël a été réalisée entre 1504 et 1505. Cependant cette œuvre met en évidence plusieurs courants artistiques. La palette de couleur est typique du cubisme avec les rouges, le blanc, le gris, l'ocre, le rose pâle, et la touche bleutée. En revanche dans le traitement des corps, ce n'est pas du tout le cubisme qui est mis en avant, mais plutôt le classicisme qui est aussi mis en évidence avec la représentation de groupe de nus. Par l'ensemble de l'analyse, nous pouvons donc dire que cette œuvre s'ancre bien dans son époque.

Mots-clés:nudité, classicisme, voyeur, exhibition, nus, femme, sexualité, peinture, toile, corps, seins

Résumé
Cette étude répond à la problématique suivante : en quoi l'intrusion de tant d'éléments réels dans l'œuvre de Picasso « Nature morte à la chaise cannée » est-elle novatrice pour son époque ? L'étude se fait autour des notions de cubisme dit analytique et synthétique.



Extrait du document
Le début du XXe siècle est marqué par le développement de nouvelles formes artistiques, telles le fauvisme ou le cubisme. En réalité, le temps est à une plus grande liberté vis-à-vis de l'objet représenté et Picasso, dont nous allons étudier l'une des œuvres, « Nature morte à la chaise cannée », est à ce titre tout à fait dans l'air de son époque. Picasso est avec Braque, l'initiateur de l'art cubiste, dont le point de départ est constitué par « les demoiselles d'Avignon », de Picasso, en 1907. Le cubisme se caractérise à ses débuts par plusieurs modifications d'éléments formels. On dit alors, que le cubisme entre dans sa phase analytique ; les objets voient leur forme disloquée et sont représentés par une addition de points de vue. Cette perte de forme a tendance à brouiller le sens de l'œuvre et c'est la recherche de solutions permettant de situer plus facilement le contexte, ou le motif représenté qui aboutit à l'élaboration de « Nature morte à la chaise cannée ». Cette œuvre, peinte en 1912 à Paris, représente une nature morte, genre pictural ancestral. Le châssis est ovale, le cadre est une corde clouée à la toile et sur celle-ci, un fragment de toile cirée imprimée avec un motif de cannage a été collé. La forme du châssis, la qualité du cadre et le collage sur la toile constituent à eux trois des innovations majeures dans l'Histoire de l'art.

Mots-clés:cubisme, histoire, espace, angles, humaine, pipe

Résumé
La Guerre d'Espagne fut le conflit qui opposa de 1936 à 1939 deux camps : les « nationalistes » et les « républicains ». Cette guerre est la conséquence de l'arrivée au pouvoir du Front Populaire espagnol en 1936. La même année l'armée du Général Franco tente de prendre le pouvoir à Madrid car il contestait le pouvoir du Front Populaire. Il échoue mais rapidement l'armée de Franco (les nationalistes) domine les républicains. Franco demande de l'aide à l'Allemagne Nazie. Il l'obtient. Il faut retenir deux éléments de l'intervention nazie : Hitler a une armée puissante et le bombardement de Guernica. Ces deux éléments préfigurent la future guerre mondiale. En 1939, la domination franquiste sera totale. Il deviendra El Caudillo et gouvernera l'Espagne jusqu'en 1975. Le bombardement de la ville de Guernica est le fait le plus symbolique de la Guerre d'Espagne.
Nous allons l'étudier par le biais de l'œuvre de Pablo Picasso, intitulé tout simplement Guernica.

I/ Introduction
II/ Analyse de l'œuvre
III Conclusion

Extrait du document
Nous constatons sur ce tableau qu'il n'y a que du blanc, du gris et du noir. Le noir représente la guerre, les bombardements. Le noir donne une impression de mort comme le blanc qui peut être la couleur du deuil. Mais le noir et le blanc s'opposent par nature puisqu'ici le noir est la guerre et le blanc représente la paix. Quant au gris, il symbolise lui aussi le deuil des victimes et le deuil de l'Espagne républicaine.

Mots-clés:paix, Espagne, bombardement, Républicaine, victime, mort, deuil

Résumé
Le document nous présente l'œuvre sous 11 points de vue photographique différents. L'œuvre est constituée de bois découpé peint et mesure 78x33x25cm. Elle se trouve actuellement dans un parc près de Flaine en Haute-Savoie.

1. Description de l'œuvre
2. Description du document : les onze facettes de la statuette
3. Mise en contexte de l'œuvre

Extrait du document
Il évident que cette production n'est pas destinée à être accrochée sur un mur mais plutôt à être exposé sur un socle bien qu'elle en possède déjà un, incorporé à l'œuvre en elle-même. Pour pouvoir observer l'œuvre dans son intégralité le spectateur devra se déplacer autour de celle-ci car toutes les lamelles ne sont pas du même côté.

Mots-clés:visage, cheveux, statuette, formes géométriques

Résumé
j'ai souhaité pour mon stage d'une durée de deux mois, intégrer une entreprise dans laquelle je puisse d'une part, mettre en pratiques les connaissances théoriques acquises durant mes deux années passées au sein de l'I.U.T. Information Communication et d'autre part, travailler et approfondir mon savoir dans un domaine que j'affectionne tout particulièrement : la communication culturelle. En effet, la communication au sein d'un musée ne doit pas rester en exergue si on aspire à un bon déroulement des opérations, à développer le sentiment d'appartenance du personnel et à offrir une bonne image aux publics.
C'est pourquoi, la première partie de ce rapport va présenter le musée en mettant en relief ses atouts, ses fonctions, ses actions, ses publics ainsi que mes missions. Ensuite, une étude de la communication du musée en interne et externe va être faite. Enfin, les différents dispositifs de communication présents au sein du musée vont être analysés.
En revanche, la deuxième partie va développer le thème spécifique du projet. L'objectif étant de prendre du recul et mener une analyse critique des actions qui ont été menées. C'est ainsi qu'à l'encontre de certaines faiblesses, il va convenir de soumettre des propositions en terme de communication, pour la présentation et la préservation du patrimoine artistique de la Ville d'Antibes.
Pour conclure, je vais me pencher sur l'apport de cette expérience professionnelle aussi bien en ce qui concerne les compétences acquises en matière de communication en entreprise que dans le domaine artistique et humain.

SOMMAIRE


Introduction
Première partie. La communication au musée Picasso
I. Présentation générale du musée
1. Les atouts
2. Les fonctions du musée
3. Les différents publics
4. Les actions
5. Les subventions
II. Analyse des dispositifs de communication
1. Organisation interne : le personnel
2. Communication interne
3. Communication externe : les publics

Deuxième partie. Participation à la vie du musée
I. Le service Communication
1. Le mode de financement
2. De la préparation d'une exposition à son résultat
II. Le service des Publics
1. Les activités pédagogiques
2. Le projet
3. Analyse des autres dysfonctionnements
Conclusion
Bibliographie


Extrait du document
Le principal atout du musée Picasso est incontestablement d'être qualifié de pôle majeur de l'activité touristique d'Antibes. Situé face à la mer, il attire et fascine aussi le promeneur curieux que le passionné d'art. Ce musée est le premier musée Picasso au monde à avoir réussi l'écueil que peuvent rencontrer la plupart des musées monographiques. Dans celui-ci règne un équilibre entre les œuvres de Picasso, de Nicolas de Staël et d'Hans Hartung, de Anna-Éva Bergman et de Germaine Richier notamment. En outre, le musée Picasso n'a cessé de se développer. Des objets napoléoniens et des pièces d'archéologie (aujourd'hui conservées dans les réserves du musée) sont protégées. Des pièces créées sur place par Pablo Picasso lui-même, sur des supports peu usités alors dans le parcours du peintre (fibrociment et contreplaqué) sont exposées. Elles soulignent son étant d'esprit en 1946 au sortir de la deuxième Guerre Mondiale mais également son apport à l'univers méditerranéen et mythologique de la Grèce antique.
Le musée Picasso recense plus de trois œuvres de diverses natures (sculptures, tableaux, céramiques, photos). Outre, celles de Picasso, les autres pièces présentes dans le musée ont été enrichies au fur et à mesure par des œuvres d'art moderne et contemporain. Ainsi, le musée propose un parcours culturel intéressant sur la création plastique du XXème siècle.

Mots-clés:musee, municipal, Picasso, service, public, oeuvres, expositions, media, presse, ateliers, stage, sculpture, peinture, céramique

Résumé
« Guernica », le plus grand chef d'œuvre de Pablo Picasso mais aussi considéré comme étant l'œuvre d'art la plus importante du XX siècle n'a pas encore livré tous ses secrets. 45 dessins préliminaires auront été nécessaires afin de réaliser ce grand classique. Le refus catégorique de Picasso d'expliquer la symbolique de son tableau antifranquiste a, de ce fait, suscité le plus d'ouvrages, d'interrogations et d'hypothèses qu'un autre tableau dans l'histoire.

I - Guernica : contexte historique
II - Guernica de Pablo Picasso

Extrait du document
À première vue, ce tableau en noir et blanc teinté de différents gris, exprime une certaine énergie négative par sa couleur ou plutôt par son absence de couleur. Le contraste ente le noir et le blanc n'est pas anodin. Il sert à accentuer la violence des images.

Mots-clés:bombardement, guerre, esthétique, cubisme, drame