Résumé
La question se pose de savoir quelles sont les conditions et justifications législatives, médicales et éthiques de l'hospitalisation d'office. La question de la nature de la paraphrénie, de la folie douce et des folies menant au génie artistique ou philosophique sera également posée. Ainsi dans un premier temps il sera question des structures juridiques et médicales qui encadrent L'HO, ainsi que les abus qui peuvent en découler. Par la suite, l'étude s'intéressera au cas singulier d'Antonin Artaud dans le cadre de son HO et à la question même de la folie au regard de la conception psychanalytique de l'énergie psychique. Enfin, il s'agira de remettre en question le critère rationnel fondateur de l'autorité psychiatrisante afin de tenter une intégration de la procédure de l'HO dans le champ de l'éthique et du rapport humain immédiat.

Extrait du document
L'hospitalisation "forcée" inclue deux formes différentes à savoir celle sur demande d'une tierce personne et celle sans consentement. Administrativement parlant ces procédures sont assez bien rodées dans la forme avec leur nombre de formulaires et autres signatures nécessaires à leur validation. Deux procédures sont possibles : ordinaire ou extraordinaire.

Mots-clés:éthique médicale, folie, génie, troubles mentaux

Résumé
Dans le présent arrêt rendu le 22 octobre 1991 la Cour de justice des Communautés européennes (CJCE) déclare invalide un règlement du Conseil établi en matière d'un règlement antérieur plus général pour non-conformité avec ce règlement de base. Ainsi la Cour reconnaît une hiérarchie des normes communautaires dont la violation est sanctionnée par la Cour.
En l'espèce, il s'agit d'un importateur des pinceaux de la Chine qui demande l'annulation de trois décisions de l'administration douanière locale lui imposant le versement des droits de douane sur ses importations.

1. Le principe de la hiérarchie des normes communautaires
2. La sanction de la violation du principe de la hiérarchie des normes

Extrait du document
Le premier critère sur lequel la Cour se penche pour évaluer le caractère approprié du pays de référence choisi par les institutions, concerne la comparabilité des produits avec ceux de la Chine sur lesquels le règlement d'exécution impose des droits antidumping. La Cour constate alors que l'incomparabilité des produits n'est pas suffisamment démontré par le demandeur, d'où la présomption de la pertinence de ce critère compte tenu du pouvoir d'appréciation des institutions à cet égard.
Le deuxième critère vise à la comparabilité des volumes de productions qui est mise en cause par le demandeur.

Mots-clés:Nölle, pinceaux, droit antidumping, normes communautaires, détournement de pouvoir

Résumé
Mais quel est donc ce lien qui unit musique et art ? Existe-il réellement un rapport entre un pinceau et un piano ? Ou bien entre les courbes qu'esquisse un crayon et celles du violon ?
Cette relation existe bel et bien depuis l'Antiquité : à l'époque, la musique était la forme d'art la plus respectée. Elle apparaît dès lors dans les bas-reliefs égyptiens, jusqu'aux toiles de maîtres de la Renaissance, comme Le Concert champêtre de Titien. Au cours du XVIIe, E. Baschenis décide même de peindre seulement des violons (ou des luths). Aujourd'hui encore, on observe ce rapport d'équilibre : chez V. Kandinsky et A. Schönberg, le dialogue se fait « d'égal à égal » à partir de 1911. Les œuvres de l'un confortent les ambitions du compositeur, et les notes de l'autre enflamment les toiles du peintre. Et seulement quelques années après, c'est avec l'apparition du jazz que l'on pourra observer ces rythmes endiablés danser sur les toiles de Matisse, Mondrian ou Pollock. À leur tour, ils vont inspirer les musiciens modernes. Le XXe siècle voit le développement de la musique enregistrée, parallèlement à une nouvelle forme d'art : la pochette de disque. D'Andyl Warhol à William Klein, les plus grands noms ont su donner une image aux chansons du Velvet Underground ou de Gainsbourg. Piano et pinceau: désormais, ce duo est bien rodé …

A. Deux bonnes raisons de peindre un violon
B. D'Alechinsky à Warhol, le best of des pochettes de disques
C. Le bruitage de l'art contemporain

Extrait du document
Ramassées dans les vides-greniers ou sur le bord des routes, un bon millier de bandes magnétiques audio se retrouvent suspendues au plafond dans une masse informe aux allures organiques. Deux câbles jaunes munis d'une tête de lecture bleue permettent d'extraire d'étranges bruits pour peu que le spectateur prenne la peine de les frotter sur les bandes.

Mots-clés:bruit, apaisement, violon, piano, richesse, mœurs, adoucir, romantique

Résumé
« On ne devrait appeler art que la production par liberté » disait Kant dans sa Critique de la faculté de juger. C'est dans un contexte d'après-guerre qu'Émile-Auguste Chartier, plus connu sous le pseudonyme d'Alain, rédige en 1920 le Système des Beaux-arts. Dans ce texte, les thèmes de l'art et de l'artisanat sont développés, pour tacher, tout comme Kant de donner à l'artiste et à sa production, une définition, qu'il compare à celle de l'artisan. Comme il l'indique dès la première phrase, l'auteur pose dans ce texte le problème de la différenciation entre l'artisan et l'artiste. Ainsi dans un premier temps, de « Toutes les fois » à mille exemplaires », Alain développe sa définition de l'artisan. Puis de « Pensons maintenant » à « le propre de l'artiste », c'est l'artiste qu'il définit. Ensuite, de « Il faut », à « sous le pinceau », Alain aborde l'idée du génie. Pour finir, de « Ainsi la règle» à la fin du texte, Alain démontre que la règle du beau n'est accessible qu'à l'artiste, inexpugnable, et inextricable de l'œuvre qui la contient.
Le texte étudié va de " Toutes les fois que l'idée précède et règle l'exécution ..." à " ... et le portrait naît sous le pinceau".

Extrait du document
Malgré cette nuance, Alain revient à son idée première. « La représentation d'une idée dans une chose », c'est-à-dire la matérialisation d'une idée dans l'élément de la permanence, du réel, est « une œuvre mécanique ». L'idée, même « bien définie », dirige la réalisation de l'œuvre. L'œuvre existe d'abord par l'idée avant d'appartenir au monde réel.

Mots-clés:mouvement, utile, scène, spectacle, peintre, beauté, esthétisme

Résumé
Madame Hermet est une nouvelle de Maupassant, parue dans le Gil Blas le 18 janvier 1887. Elle est donc intercalée entre les deux différentes versions du Horla, nouvelles emblématiques de l'œuvre de Maupassant. Je vais tout d'abord vous présenter un résumé de la nouvelle ainsi que sa structure. Madame Hermet est l'histoire d'une veuve qui, rongée par la culpabilité de ne pas avoir été présente pour son fils lors de la maladie qui l'a conduit à la mort, est persuadée d'avoir le visage couvert de boutons, comme si elle avait été contaminée. Dans l'asile où elle est internée, le médecin lui passe une pointe de pinceau sur le visage, la seule chose qui la soulage de la souffrance qu'elle éprouve à cette défiguration imaginaire. Néanmoins, elle est persuadée d'avoir été une mère courageuse et se console ainsi…

I- Une alternative aux spéculations sur la folie
II- Les symptômes de la décadence de l'être humain et de la société III-Madame Hermet propose paradoxes et paroxysmes du fantastique selon Maupassant

Extrait du document
Ce passage est singulier car, comme je l'ai déjà sommairement dit, ce qui dans la situation d'énonciation est un aveu du narrateur, on peut très facilement l'interpréter comme une confession de l'auteur. Maupassant était en effet obsédé par les fous. La première déclaration, courte et abrupte (« Les fous m'attirent ») crée un effet de surprise sur le lecteur. Tout est au présent, et se trouve donc en dehors de tout récit. Si on retire le « or » et « un de leurs » de la deuxième partie (ce qui donne (…)), le récit de la nouvelle ne s'en trouve pas altéré.

Mots-clés:chimérique, fabuleux, illusoire, imaginaire, irréel, surprise, lecteur, lire

Résumé
Cette étude s'interroge sur le travail du poète, la vision de la poésie, l'inspiration et la technique. Le poème de Victor Hugo « Au point du jour, souvent en sursaut, je me lève » ainsi que « Phrases sorties du songe » de Francis Ponge, révèlent deux approches différentes du processus poétique, notamment au niveau du style. Le poète n'apparaît plus comme un simple réceptacle mais comme un véritable artiste créateur qui utilise le pinceau du langage et la palette des mots pour créer le tableau de sa volonté.



Extrait du document
L'auteur qui réfléchit sur la création poétique s'interroge sur le rôle de l'inspiration et ses diverses manifestations. Cette interrogation pose le problème de l'inspiration et de la Technée, leur rôle dans la création poétique. Nous verrons ainsi comment chacun de ces poètes se positionnent par rapport à ces conceptions. Nous pourrions parler de « méta-poésie », ce néologisme exprimant l'idée du poète parlant de création, de la genèse de sa poésie en utilisant le produit même de sa réflexion. Il sera donc intéressant de voir comment ces auteurs se rejoignent ou s'éloignent par leur conception de la création poétique, quels sont leurs approchent de ce processus. Nous commencerons par voir comment chaque auteur mêle inspiration et technée, puis nous en viendrons aux thèmes et arguments que partagent ces poèmes pour en finir par ce qui fait leur originalité, la marque particulière de leur auteur.
Victor HUGO, dans son poème « Parfois le matin, en sursaut, je me réveille » nous explique les procédés de sa création en citant conjointement la Technée, ou les procédés d'écriture, et l'inspiration. Dans ce poème, il est clairement montré qu'inspiration et Technée vont de paire. Au levé du jour, le poète se met au travail mais le travail associé au monde ouvrier prend une connotation laborieuse.

Mots-clés:technée, prose, poésie, mot, texte, écriture

Résumé
Gina Pane naît en 1939 à Biarritz, elle suit les cours de l'école nationale des Beaux Arts de Paris et de l'Atelier d'Art sacré de 1961 à 1963. Elle crée en 1978 et anime un atelier de performance au Centre Georges Pompidou. Gina décède en 1990 à Paris suite à une longue maladie.
Le Body Art est un mouvement apparu dans les années 1960, ayant pour idéologie la dénonciation des violences sociales de l'époque. Le corps est alors au centre de cette idéologie, et passe du rôle d'acteur dans la réalisation de l'œuvre (pinceau) au rôle de support.

I. Le Body Art au Cœur de l'œuvre de Gina Pane (et description de la photographie)
II. Déambulation fictive dans la galerie Diagramma à Milan (et analyse du travail de l'artiste)
III. L'usage de la photographie et du story-board dans Azione Sentimentale


Extrait du document
Cette œuvre est composée de 7 photographies. Avec une recherche évidente en ce qui concerne la composition : 2 photos plus grandes, 3 plus petites au niveau inférieur et 2 grandes encore. En diagonale : scènes de scarification.
Avec au centre le visage de l'artiste qui apparait.
L'image en haut à gauche et au milieu à gauche : bouquet de roses rouges. En bas à droite et au milieu à droite : roses blanches = recherche d'un certain esthétisme (rouge ensemble/blanc ensemble) avec une idée de progression vers la pureté représentée par la couleur blanche Notons une alternance entre scènes choquantes et scènes poétiques.


Mots-clés:symbole, féminité, photographie, buste, artiste, bouquet de roses

Résumé
Si les environs de Bougival, Louveciennes et Marly-le-Roi ont permis aux Impressionnistes de peindre pour la première fois de véritables vues de la banlieue moderne, les environs de Pontoise furent le centre de la peinture de paysage rural. Attirés par la présence de Camille Pissarro, des peintres plus tard réunis sou le nom de groupe de Pontoise, se consacrèrent à représenter le paysage entre Pontoise et Auvers dans les années 1870 et au début des années 1880, au moment même où les bords de la Seine à Argenteuil constituaient l'autre grand centre de la peinture impressionniste. Il est à souligner que, malgré les rapports étroits entre leurs oeuvres des environs de Bougival, Monet, Pissarro, Renoir et Sisley se dispersèrent après la Commune. Monet s'installa à Argenteuil, s'éloignant peu de cette région; Sisley resta tout près de Bougival; Pissarro se retira à Pontoise. Aucun témoignage ne prouve qu'ils s'y rencontraient ; ils se retrouvaient plutôt à Paris et travaillaient isolément. C'est pourquoi les lieux où ils vécurent déterminèrent en grande partie les divergences croissantes de leur conception du paysage.

Extrait du document
Ces paysages sont, pour la plupart, volontairement rustiques. Ils représentent le plus souvent des champs, des vergers, des potagers, des rues de villages, des cours de ferme ou des chaumières, alors que les bateaux à voile, les usines et les jardins d'agréments sont exceptionnels. Pissarro avait même réussi à transformer la banlieue de Louveciennes en un paysage rural; à Pontoise, il disposait donc d'un choix plus étendu de motifs pour ses recherches appliquées à la structure d'un paysage villageois. L'architecture spécifique des bourgs des alentours et les rythmes secrets et cosmiques de la vie séduisirent le peintre et ses amis. Leurs paysages impressionnistes, par le style et la recherche des aspects fugitifs de la nature, représentent des hameaux et des villages banals, peu touchés par l'industrialisation moderne qui, à l'inverse, retenait l'attention de leurs confrères près d'Argenteuil.

Mots-clés:peinture, pinceau, palette, impressionnisme, influence, campagne, paysages

Résumé
Les artistes nous fournissent des œuvres d'art depuis plusieurs siècles et il est vrai que depuis l'apparition de mouvements modernistes, et de l'abstraction du contenu de ces œuvres, les destinataires de celles-ci n'arrivent pas toujours à y trouver un réel sens.
Sommes-nous alors autorisé à affirmer que telle ou telle œuvre n'a aucune signification sachant que l'œuvre d'art est qualifiée comme telle dans le sens où elle est l'issue d'un questionnement personnel de l'artiste ?

Extrait du document
L'artiste place dans son œuvre ses sentiments en y introduisant sa touche personnelle et ses techniques. En effet, un artiste se place dans son propre mouvement qui au regard des autres pourra être regroupé dans un mouvement commun à plusieurs artistes (dont il aurait pu aussi bien s'inspirer).
En peinture, Van Gogh va annoncer un mouvement fauviste et impressionniste, on pourra citer par exemple le Portrait de Dr. Gachet avec branche de digitale.
Dans ce même domaine, Pablo Picasso sera le grand fondateur de l'art cubiste, un mouvement totalement différent, on peut visualiser Dora Maar au chat pour se rendre compte des différentes techniques utilisées, totalement opposables à celles de l'œuvre de Van Gogh et afin de voir que l'artiste expose au yeux de tous le portrait de son amante. Les techniques et les goûts personnels sont donc présents dans l'œuvre de chaque artiste.
Au niveau de l'interprétation, suivant les arts, qu'ils soient auditifs ou vidéos, ou suivant les mouvements, elle se fait différemment.

Mots-clés:autoportrait, pinceau, couleur, cubiste, futuriste

Résumé
La conquête de la peinture pure et de la forme picturale sont inséparables d'un renouvèlement complet de la vision d'un extraordinaire élargissement des thèmes de représentation. Les impressionnistes ont été les témoins émerveillés et véridiques de leur temps, une réclame de modernité. A l'origine, les impressionnistes sont un groupe de jeunes peintres indépendants comme Monet, Renoir, Pissaro ou encore Cézanne. Ils sont toujours écartés du Salon Officiel et donc en réaction à ce refus, ils construisent une « société anonyme » et du 15 avril au 15 mai 1874 ils se présentent dans l'ancien appartement du photographe Nadar.

Extrait du document
D'abord, l'impressionnisme ou plutôt le néo-impressionnisme, ce sont les premières sources qui les touchent particulièrement, notamment en ce qui concerne la juxtaposition des couleurs pures au lieu de les mélanger, laissant l'œil du spectateur le soin d'effectuer un travail de recomposition. Ceci a été repris par Matisse, élève de Signac, qui le transmet à son tour à Derain. Les couleurs cristallins impressionnistes sont aussi reprises notamment par Manguin qui utilise des palettes de jaunes, orangés lumineux. D'ailleurs, Dufy utilise la méthode de Gauguin avec de grands aplats c'est-à-dire de grandes de couleurs uniformes.

Mots-clés:couleur, forme, art, pinceau, chevalet, peintre, tableau